DYPET

Dypet er basert på mine opplevelser som overlevende etter Utøya, og er en dramakomedie om oppvekst, traumer og vennskap.

Filmen følger Joachim og hans beste venn Kadir gjennom første året på videregående, og viser hvordan vennskapet deres – og Joachims mentale tilstand – gradvis faller fra hverandre i møte med hans PTSD etter 22. juli.

MOTIVASJON

Idéen om å lage film av mine opplevelser kom kort tid etter hendelsene på Utøya, men det er først nå – femten år senere – at jeg er klar til å realisere den. Historien og karakterene er fiktive, men basert på mine minner og erfaringer.

I lang tid etter Utøya følte jeg nesten ingenting: ingen sorg over ofrene, ingen forelskelse, sinne eller dyp glede. Det var som om hele følelsesregisteret mitt var borte. Jeg begynte i terapi med T.R.E (Trauma Release Exercise) og andre traumemetoder, og gradvis fikk jeg følelsene tilbake. Det tok nesten et helt år før jeg gråt for første gang, eller klarte å bli sint. Avkoblet fra alt, prøvde jeg å kompensere, være morsom, holde det gående, ha det gøy. Men det var film, og særlig japansk animasjon, som ga meg rom til å le og gråte igjen. FIlm ble min vei tilbake til meg selv.

I skriveprosessen kommer fortrengte minner og følelser stadig til overflaten. Det kommer aldri til å bli uproblematisk å jobbe med dette, men nettopp derfor er det akkurat nå filmen må lages. Det har gått nok tid til at vi kan tåle en mer mangefasettert versjon av fortellingen om 22. Juli, men ikke så lang tid at det har mistet sin relevans og nerve. 22. juli var et traume for langt flere enn meg, på mange måter for hele landet.

Klassens klovn, september 2011

Utøya 2011, før angrepet.

Traumefortellinger på film blir ofte dryppende sentimentalt. Min vei gjennom traumene var på mange måter motsatt. Jeg visste at jeg ikke klarte å gråte, kjenne empati, eller ta inn over meg det som hadde skjedd, og jeg skammet meg over det. Samtidig virket alternativet, å faktisk føle alt, uoverkommelig. Derfor rømte jeg, latet som, eller ble klovn som forsvarsmekanisme. Jeg utagerte og brukte «traumehumor», mens menneskene rundt meg ikke hadde den samme distansen. De følte på alt det jeg ikke var i stand til.

Jeg brukte mange år i terapi på å jobbe meg ut av PTSD og tilbake til følelsene. Filmen fokuserer på den første perioden av dette forløpet, fortalt over ett år. Jeg vil skildre traumet med min egen stemme som filmskaper, og samtidig dele noe av det som faktisk hjalp meg: verktøyene fra terapien, og følelsene jeg satt med. Jeg ønsker å lage en film som kan resonnere hos ungdom som sliter psykisk, og også gi de som er pårørende et språk for hvordan det oppleves fra innsiden. Dypet er mitt oppgjør med hendelsene på Utøya, som overlevende og som nordmann, og jeg håper den kan bli et oppgjør for publikum også.

UNGDOM OG FØLELSER

Gutter i ungdomstiden som klarer å være åpne og sårbare med hverandre, blir altfor sjelden utforsket på film. Ømhet, intimitet og nærhet er kvaliteter mannlige karakterer sjelden får vise overfor hverandre – og når de gjør det, blir det ofte tolket som skaphomofili. Jeg vil nyansere dette og kjempe for en annen presentasjon av vennskap mellom unge menn.

Jeg har vært heldig og vokst opp med venner jeg kunne snakke åpent med, og som kunne snakke åpent med meg. Å vise dette som en normalitet i en film om – og for – ungdom, er viktig. Sunne forbilder for maskulinitet kan være vanskelig å finne for unge gutter og menn, kanskje spesielt i samtiden. Løgn, statusjag, giftig humor, rus og fraværet av følelser spiser gradvis opp nærheten mellom Joachim og Kadir, slik det gjør for mange vennskap i videregående-alderen.

KARAKTERENE

Selv om Joachim er den eneste hovedkarakteren som er et offer fra Utøya, viser filmen gradvis at nesten alle sliter med sine egne traumer etter Utøya. Å fortelle min historie gjennom en fiktiv karakter, har gitt meg distansen til å kunne fortelle med en ærlighet som ellers ville vært vanskelig. Spesielt når jeg utleverer noen av de verste øyeblikkene i livet mitt.

Joachim er ekstrovert, tullete, uredd for å drite seg ut, og full av følelser. Han er emosjonell, gråter lett, blir fort glad og oppspilt, og er litt godtroende, slik jeg ser meg selv på den tiden. Han vokser opp på Nesodden med faren sin Tor, og en tante som kommer på besøk i blant. I filmen har vi valgt at Joachim ikke har noen mor. I prosessen med å huske tilbake til denne turbulente tiden, er det noen ting som er klare, og andre som er diffuse. Det er min far jeg husker best som den trygge forelderen, og siden Joachims kvinnelige terapeut har en så sentral og tidvis maternal rolle, har vi valgt å la ham bare ha en far hjemme. For Joachim er dette normalt, slik han alltid kan huske å ha hatt det, og gir ham insentiv for dypere nærhet til sin tante, og etter hvert terapeuten Erika.

PTSD kommer ikke til uttrykk slik man forventer. Det gjør Joachim emosjonelt utilgjengelig, utagerende, vanskelig, og Kadirs ønske om å være der for sin venn, blir sakte erstattet med frustrasjon for et sykdomsforløp han ikke forstår. Joachim responderer ikke på Kadirs forsøk på å være nær og trygg, men reagerer i stedet med å lyve, vri seg vekk, som igjen resulterer i at Kadir mister tålmodigheten, og blir sarkastisk og stygg tilbake. Kadir er også på sin måte traumatisert av 22. juli, men i motsetning til Joachim, er han i stand til å føle på alt det som har skjedd. Slik Joachim føler en skam for at han ikke føler det han burde, opplever Kadir at han, sammen med sin venn som virkelig er skadet, ikke er berettiget til å føle alt han føler.

Sara er den kule bohemen, som blir venner med Joachim og Kadir grunnet en felles interesse for nerdete ting. I trioen representerer hun den kule, litt eldre opprøreren; en som tør å i gi faen og vise fingeren til verden. På mange måter kan hun oppleves som en trope i fortellinger om barn i overgangen til å bli unge voksne. Men Sara, med sin kynisme (påtatt eller ikke), blir Joachims unnskyldning for å forsøke å leve normalt på videregående. Med henne kan de late som ingenting er annerledes. Saras generelle holdning (ja, Utøya var jævlig, men livet har alltid vært jævlig), gjør at Joachim, og til dels Kadir, har en periode på starten av videregående, som tillater dem å glemme, og late som alt er som før. Men ingen av dem er som før, minst av alt Joachim, og sakte sprekker boblen, også for Sara som er skeiv, og har vokst opp uten en far, med en ustabil mor. Subtilt kommer det frem hvordan Saras holdning til verden, også er et skjold for å beskytte seg selv. Slik speiler hun noe av Joachims fortelling, samtidig som hun representerer vanskeligheter som alltid har vært der. Joachims opplevelse av å ville bli bra, og Saras opplevelse av at ting føles som de aldri kan bli det, ender også i konfrontasjon. 

Tor, Joachims far, er varm, tullete, praktisk og stabil. Han arbeider som en kurator for kunst, og forsøker å være den trygge klippen hjemme. Han har vært alenepappa siden kona døde da Joachim var tre, noe som har preget han tydelig. I kjølvannet av sommeren, forsøker Tor å være forståelsesfull, gi Joachim rom og trygghet, men over tid blir det vanskeligere for ham å skille mellom hva som er Joachims traume, og hva som bare er en giddaløs, opprørsk tenåring. Men Tor bærer også på sitt eget traume etter 22. juli: Han mistet nesten sin sønn, den eneste han har igjen.

Vilde representerer en annen type intimitet enn den Joachim har med Kadir. Å få seg kjæreste har vært Joachims største ønske, slik det er for mange sekstenåringer. Men da han endelig får ønsket oppfylt, er han ikke lenger i stand til å takle den nærheten han har ønsket seg. Å tillate seg å bli forelsket, å ha en fullverdig romantisk relasjon, krever at han åpner seg for sine egne følelser, og dette er det traumet hans ikke tillater ham. Han kan ikke gå inn dit, og derfor blir hans kjærlighet til henne overfladisk. Vilde, som er alt Joachim har drømt om; vakker, kul, intelligent, ser gjennom maskespillet hans, forsøker å nå inn til ham, men slik som Kadir opplever, er Joachims traume noe ingen av dem forstår hvordan de skal bryte ned.

Kadir, Joachims beste venn, er en skarp, sarkastisk besserwisser med hjertet på rett sted. Kadir har overlevd tre år med mobbing på ungdomsskolen, og har i denne perioden hatt selvmordstanker. Joachim er den eneste han har betrodd seg til, og han har vært Kadirs støtteapparat frem til der hvor filmen begynner. Denne perioden er grunnlaget for deres åpenhet og sårbarhet sammen, som gjør vennskapet deres sterkt og ærlig.
Men når det er Joachim som trenger hjelp, skjer et skifte. I den første tiden etter massakren på Utøya, er Kadir helhjertet bestemt på å støtte sin venn slik han selv er blitt støttet. Men Joachims PTSD er ikke noe Kadir, eller noen andre, har kompetanse til å forstå eller hjelpe ham med, med unntak av terapeuten Erika.

Erika er Joachims psykolog. Hun er skarp, observant, og har en tørr, sarkastisk humor som Joachim raskt føler seg trygg med (kan hende fordi det minner om hans beste venn). Erika begynner sitt forløp med Joachim godt, men hun sliter med sine egne ting. Hun har jobbet som feltpsykolog i Afghanistan, hvor hun selv har fått PTSD. Når hun møter Joachim, er hun relativt frisk, men hennes siste femten år representerer en slags hypotese av hva som kan skje med Joachim hvis han ikke aktivt jobber for å bli bedre. Hun har selv hatt problemer med intimitet i relasjoner, har mistet samboer, og endt opp barnløs i førtiårene. I filmens forløp er hun midt i prosessen med å adoptere et barn, men sliter med tvil om hun faktisk er frisk nok til en morsrolle. Samtidig har hendelsene 22. juli også gått inn på henne; samtidig som hun er på et sårbart sted med sine egne traumer, er hun nødt til å behandle Joachim. I Joachim ser hun både en versjon av sitt tidligere selv, men også et barn som hun har ansvaret for å hjelpe. Hun jobber egentlig utelukkende med voksne, men 22. juli skaper ekstraordinære omstendigheter hun må forholde seg til. Erikas usikkerhet om sine evner som mor, og hennes egne erfaringer, blir sakte med henne inn i terapirommet, på godt og vondt.

Rundt Joachim står et ensemble av ungdommer og voksne som alle bærer på sin egen sorg, forvirring eller uro etter 22. juli. Paradoksalt nok er Joachim den eneste som ikke kjenner noe – og nettopp den kontrasten gjør at vitser, løgner og manglende medfølelse, får reelle konsekvenser. Han blir ikke bare en som sliter, men en som, uten å mene det, kan skade de som faktisk føler.

TONALITET

Prosjektet henter inspirasjon fra både moderne nordisk film og asiatisk film. Spesielt måten koreansk film og japansk animasjon balanserer teatralsk humor, realistisk drama, intense spenningssekvenser og sterke symbolske virkemidler.

Memories of Murder (Bong Joon-ho) er et godt eksempel: Noen karakterer er nesten utelukkende «over-the-top» og komiske, samtidig som filmens tematikk fremstilles naturtro. En karakter som konsekvent gjør “drop-kick” på andre føles ikke forstyrrende, slik Kadir og Sara sparker Joachim på leggen, eller gjør “gefühl” gesten. Japansk anime, som Naruto, er også kjent for dette forholdet mellom det komiske og det alvorlige.

Noen eksempler på det overteatralske i Dypet er; Joachims første oversympatiske psykolog (Også kalt “Rosa helikopter”), Sebastian, en gutt på videregående som utelukkende siterer anime eller film, Barokk-Ruben, en fullblods steinerskoledisippel som spiller blokkfløyte i friminuttene, alle basert på ekte mennesker.

Joachim og Kadirs blod-harry, hjemmelagde anime-intro, er også et utrykk for dette. For en referanse til anime’ens montasje-estetikk se Naruto-introen med låten jeg håper å bruke:

I tillegg har filmen også noen mer intense sekvenser, som heller ikke er så typisk for norsk dramafilm de siste årene. Eksempler på dette er Joachim som hopper bakpå T-banen, nesten blir påkjørt eller at han hopper over hustak på flukt fra politiet.

Og i det symbolsk ekspressive har vi smellet – hvor klasserommet fylles med vann, Joachims animerte Utøya-løgner, utgangsdøren som åpnes til Tyrifjorden, og verden som brått kommer i fokus når han får en traumereaksjon.

Tonaliteten jeg leter etter skal bryte litt med den nordiske estetikken. Jeg har ingen motforestillinger mot å balansere det humoristiske, det realistiske, og det visuelt ekspressive. Resultatet er en nyskapende, sår og spennende film, som bare jeg kan regissere.

Mye nyere nordisk film, som Et glass til eller Verdens verste menneske, har også noe av dette forholdet, men gjerne mer nedtonet, eventuelt “smakfullt”. For meg, som har vokst opp med anime og asiatisk filmkultur, er det naturlig å lene seg mer mot det ekspressive og overdrevne, i en positiv forstand.

Dette, at jeg har dype røtter i asiatisk film, kombinert med min kobling til norsk samtidsfilm, er med å utgjøre min egen stemme og identitet som filmskaper. Jeg har bodd i Japan, snakker flytende japansk, samtidig som jeg er inspirert av alt det gode som skjer i norsk film nå.

Likevel er brorparten av filmens fokus på realisme. Første scene av Joachim på Utøya, diskusjonen mellom ham og Kadir over cosplay-kostymer, psykologtimene hos Erika, eller Tors fortelling om å spise på Burger King 22. juli, er noen av mange eksempler på dette.

VIRKEMIDLER

Med en hovedkarakter som lever med PTSD er de visuelle virkemidlene avgjørende for at publikum ikke bare forstår, men føler Joachims indre reise. Virkemidlene introduseres gradvis gjennom første halvdel, og det er først etter smellet i klasserommet, at det virkelig blir intenst.

Vannsymbolikken brukes direkte flere ganger i filmen, og viser konkret Joachims mentale reise.

På nyttårsfesten, etter å ha blitt trigget igjen, beveger Joachim seg som om han er under vann. Når han er på sitt mest sårbare og åpner utgangsdøren til huset sitt, åpner den seg til Tyrifjorden, og viser hvordan bare det å gå ut av døren, føles like farlig som å være i skuddlinjen igjen.
Når han endelig er klar og går inn til Erika for å konfrontere traumene sine, blir døren hennes symbolet på å bryte overflaten.

Foruten disse fire scenene brukes vann-symbolikken subtilt i hele filmen. Lyden fra nesoddbåtens skummende kjølvann, en høytrykksspyler, eller spriten som drikkes på fester. Vannet ligger der, umerkelig hele tiden, som en underbevisst påminnelse om Joachims tilstand.

Jeg svømte fra Utøya og ble plukket opp av en båt ute i fjorden. I vannet følte jeg en trygghet, i at jeg kunne dukke under hvis jeg ble beskutt. Denne opplevelsen av trygghet under vann, og livsfaren ved overflaten, er bildet jeg bruker for å visualisere PTSD i Dypet.

I filmens første akt, ser vi Joachim dukke under vannet når han svømmer fra Utøya. Først midt i andre akt, når det smeller i klasserommet, ser vi ham «komme opp igjen». Med vann som symbol, ser vi at han har gjemt seg under overflaten i mange uker. Dette speiler hvordan det han har fortrengt stiger opp fra underbevisstheten. Når han igjen dukker ned, sitter han blant sine medelever i et klasserom fylt med vann, og nå, når realiteten av det han har opplevd kommer nærmere, får han ikke lenger puste i det beskyttende dypet. Dette er en viktig scene for meg som illustrerer for publikum PTSD-ens klaustrofobiske natur. En scene jeg vil skyte praktisk.

Når joachim trigges, blir verden plutselig for mye: for høy, for nær, for tilstede. I øyeblikk som når noen skriker på trikken, eller når Joachim gjenkjenner gutten fra Utøya på nyttårsaften, vil jeg bruke en lite anvendt teknikk kalt “iris pulling”. Blenderen kobles til et variabelt ND-filter, slik at vi kan endre dybdeskarpheten uten å endre eksponering. Vi kan gå fra et bilde der bare øyet og nesen til Joachim er i fokus – til et bilde der hele verden er sylskarp – i samme shot.

Resten av filmen bruker også iris pulling og blenderåpning subtilt. Jo mer dissosiativ Joachim er, desto mer åpen blender. Han isolerer seg fra en verden ute av fokus. Dette uttrykket forsterkes gjennom linsevalg: ved å kombinere vidvinkel og tele skaper vi en følelse av at Joachim enten er omringet eller isolert. Vi vil også bruke tilt shift-linser for å ta fokusspråket inn i wide-shots. Med telelinser kan vi skyte “dirty frames”, der objekter og overflater i forgrunnen ligger foran subjektet – som om verden alltid står i veien. Eldre linser kan også gi en egen type fokuskarakter, som i The Assassination of Jesse James.

Med disse virkemidlene er balansen viktig. Hvis alt kommer på én gang, for ofte, for raskt – blir det en gimmick. Poenget er at det skal bygges opp, brukes konsekvent, og bli et tydelig filmspråk. I samarbeid med kameramann Julian Jonas Schmitt, som jeg har jobbet med tidligere på Your’re my Bruise, vet jeg at hans nøyaktighet og øye for detaljer vil gjøre det mulig. Derfor er kameratester og lang preproduksjonstid helt sentralt: ikke for å “finne en idé”, men for å konkretisere nøyaktig hvordan det skal se og føles ut, og hvor grensa går.

Kamerabevegelsen i filmen vil i stor grad ligge i dolly og tripod. Mye av Joachims følelsesregister er borte, og det gir mening at kameraet speiler det med en kontrollert, “stødig” bevegelsesstil. Samtidig vil vi bruke håndholdt der det trengs for kontrast – og der følelsen krever at filmen mister fotfeste. Jeg jobber i utgangspunktet med shot-økonomi: færre shots og bedre blocking gir mer tid til å gå i detalj på hvert shot i preproduksjon, mer rom for skuespill under produksjon, og mer presise, dynamiske bilder. Det er også viktig når filmen har lavt budsjett, og lite innspillingstid.

UTØYA OG ANIME

En av måtene Joachim forsøker å ta kontroll over sitt eget narrativ, er løgner. Når han blir konfrontert med hva han føler, lyver han, både fordi han er på en flukt fra det som er skjedd, men også fordi hans største skam er at han faktisk ikke føler noe av det han synes han burde. Disse løgnene fungerer etter hvert ikke bare som en flukt, men også som en kilde til positiv oppmerksomhet; folk blir interesserte, han blir et fokuspunkt, og siden han ikke er i kontakt med følelsene sine og ikke ser situasjonen tydelig nok utenfra, begynner han å bruke offer-rollen skamløst, blind for det umoralske ved det. Utøya blir et utømmelig kildemateriale for å gjøre seg så heroisk han bare vil.

Disse scenene vil jeg animere i en stil, inspirert av animen Naruto, som er et nøkkelelement i vennskapet mellom Joachim og Kadir. Slik ser vi hvordan Joachim forsøker å kontrollere hva sin egen historie er, i tillegg til at det animerte tydeliggjør at han beveger seg vekk fra virkeligheten.  Dette, de animerte løgners verden, er et perfekt rom for det teatralske, overdrevne filmspråket jeg ønsker å farge norsk film med. Naruto som et gjennomgående tema i Joachim og Kadirs vennskap, speiler også min visjon om å flette sammen asiatisk og nordisk filmuttrykk.

Mitt nettverk i Tokyo, gjør det mulig for meg å jobbe med animasjonsteam der – og kommunisere direkte på japansk for å få frem visjonen min.

Når vi endelig viser Joachims faktiske opplevelser fra Utøya, står det i sterk kontrast til de animerte sekvensene vi har sett. Som nevnt er Dypet en fiksjonalisering av mine opplevelser etter 22. juli, men i disse scenene, hvor Joachim til slutt går inn i sine opplevelser på Utøya, er alt øyeblikk jeg faktisk husker.

Her kommer filmens kontrasterende uttrykk til sin rett: Det overdrevne, humoristiske, spennende, kolliderer med den brutale virkeligheten. Publikum er, lik Joachim, blitt tillatt å le, tøyse, unnslippe det som er vanskeligst, men unnslipper likevel ikke.

MUSIKK

I de fleste av mine tidligere prosjekter har jeg komponert musikken selv. Jeg er også en produserende musikkartist på siden. I Dypet vil jeg samarbeide med en profesjonell musikkprodusent og arrangør, slik at jeg har noen å sparre med, og lene meg på, med riktig erfaring.

Filmens hovedtema skal være et requiem. Da jeg gikk på videregående fremførte vi flere requiem i kor, og det er noe jeg personlig forbinder med den tiden. Musikken blir et av de viktigste verktøyene for å tydeliggjøre kontrasten mellom Joachims følelsesløshet, og hva han egentlig bærer på. Samtidig føles det riktig å skrive en dødsmesse til en film som indirekte er et testament til massakren på Utøya, og alle som døde der.

Koralverk er også allsidig. Jeg ser for meg orgel og strykeensemble i instrumenteringen, men med rom for moderne produksjon og bruk av lyddesign. Noen av inspirasjonene mine til dette er:

  • Voces8 (måten de lager moderne musikk med vokaloktett),

  • Ghost in the Shell (cluster-akkorder og intensitet),

  • Naruto Shippuden (Mørke og orgelbruk),

  • Koyaanisqatsi (Philip Glass’ kreativitet og vokale glissando),

  • Mozart og Faurés Requiem (hvordan tema og tekst brukes).

Å legge filmen til 2011 er å lage en epokefilm: et innblikk i en tid som allerede er historisk, men som fortsatt sitter i kroppen hos en hel generasjon. Musikk blir et viktig virkemiddel. Det handler om hits som spilles på fest, og sanger som ble uløselig knyttet til 22. juli – musikk som umiddelbart plasserer oss i følelsen av 2011.

I samarbeid med produsent og medkomponist skal vi med et korverk forsøke å romme den sorgen, intensiteten og skrekken i opplevelsene, men også humoren og gleden i vennskapet mellom Joachim og Kadir.

Det er viktig at originalmusikken har et par sterke «leitmotif», eller tema, nettopp fordi filmen også skal ha andre låter. Låtene jeg vil bruke kommer blant annet fra Naruto: for eksempel når Joachim hører på «sad Naruto playlist» etter begravelsen. Den samme låten kommer tilbake under scenen der Joachim ser Naruto med Kadir, og bryter sammen på slutten av filmen. Låten fra åpningssekvensen (lenket tidligere) skal brukes i montasjen som en direkte hyllest til Naruto og anime-filmspråk.

I tillegg er det tyrkiske partylåter under sommerfestene i begynnelsen og slutten av filmen.

I 2011 var jeg med på å lage min første langfilm, Everywhen, sammen med jevnaldrende venner. Jeg jobbet med production design, var skuespiller, og fortsatte slik med flere kortfilmer før jeg gjorde regi for første gang i 2015. Siden har jeg gått på filmskole i Danmark ved European Film College, og studert regi ved DFFB (Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin). Jeg har hittil bevisst regissert filmer utenfor komfortsonen for å teste meg selv i ulike retninger: vikingfilm med action og stunt, horror om skolemassakre og traumer, kammerdrama med kun dialog og intimitet, og japanskspråklig komedie om sosial angst og skam. Kortfilmene mine har vært utdannelse i ferdigheter som blir nødvendige i Dypet.

Under er et forløp på ti år med kortfilm, prøving, og feiling, hvor all musikk også er komponert og sunget av meg.

Nærhet i You’re my bruise, skutt av Julian Jonas Schmitt i 2018. Et forsøk på å kun fokusere på skuespill og karakter.

Min siste kortfilm Agurk, som fortsatt går på festivaler verden rundt. Et forsøk på å lage en komedie om mørkere kildemateriale.

Passord: cucumber

Min førsteårs kortfilm ved DFFB, Hero, var et tidlig forsøk på å visualisere mine opplevelser. Skutt for nå ti år siden.

For meg handler regi om å ha nok kunnskap i alle filmens kunstneriske aspekter til å kunne kommunisere en visjon tydelig, og samtidig vite når man skal gi rom. Som debutfilmregissør er den åpenbare utfordringen omfang. Men når den kreative kjernen tidlig kan utvikle og finne hvordan filmen skal fungere, blir de uunngåelige kompromissene – og katastrofene som oppstår på sett – enklere å løse, uten at filmen mister retning.

Samarbeidet mitt med medforfatter Espen Th. Granseth er et konkret eksempel på hvordan jeg løser dette i praksis – og på at jeg kjenner mine egne blindsoner. Min styrke som forfatter ligger særlig i struktur, detaljer og det visuelle/musikalske, mens Espens styrke ligger i dialog og karakter. Jeg er mer eksplosiv og emosjonell i uttrykket mitt, mens Espen er realistisk og humoristisk. Jeg elsker å kutte ned og komprimere, mens Espen elsker å bygge ut og elaborere. Jeg sier «vi går for Oscar», Espen sier «Håper filmen kommer på kino». Det samme gjelder kameramann Julian Jonas Schmitt. Han vet å utfordre meg når ideene mine er uærlige eller uoriginale, og dykker til bunns i hvert eneste øyeblikk. Denne formen for samarbeid gjør filmen bedre, og er den samme måten jeg vil jobbe med resten av teamet mitt.

Jeg har skuespillertrening fra flere steder, blant annet method acting ved NSKI og gjennom utdanning i Berlin, som gir meg et nyttig perspektiv når jeg jobber med skuespillere. Jeg vil gi ensemblet tid før opptak: være i karakter, spille øyeblikk utenfor handlingen, og finne relasjoner før kamera ruller. Jeg vil også vie tid til prøver, ikke for å “øve ut kruttet”, men for å gå dypere i manus: motivasjonen bak hver replikk, hva karakterene faktisk tenker i øyeblikket, og hvilke minner og steder som ligger under.

Jeg vet at med en av Norges mest erfarne produsenter, Yngve Sæther, vil vi finne det riktige teamet. Med støtte fra NFI nå, vil vi tidlig kunne bygge en kjerne som skaper ideen i felleskap, utfyller svakhetene mine, har erfaring der jeg mangler det, og tror på prosjektet. Da blir Dypet ikke bare en sterk idé – men en film som kan gjennomføres på det nivået den fortjener.

DEBUTFILM

En film om året etter Utøya, regissert av en overlevende, kunne lett blitt et typisk nordisk drama. Men jeg vil lage en film der kjernen er ekte, men uttrykket er originalt, direkte og kompromissløst. En film som tør å være morsom, brutal og øm på en særegen måte. Som viser den viktigste tiden i nyere norsk historie, fra et unikt innenfra-perspektiv, og som samtidig er fortalt med et filmspråk som fanger kaoset jeg opplevde.

Dypet er min viktigste historie, og jeg håper du vil støtte meg med å fortelle den.