HOMAGE
サムライ映画で、病床の父のヴァイキング叙事詩にオマージュを捧げながら撮影する中、キャリア志向の監督は、もう二度と父に会えないかもしれないことに気づく。
父をがんで亡くした自分の経験に基づき、短編映画『Homage』は、人が亡くなる前に続く長い悲嘆の過程と、野心を追求することと愛する人と共にいることの難しいバランスを描く。
クリストファー・ヒヴュ（『ゲーム・オブ・スローンズ』『フレンチアルプスで起きたこと』『ウィッチャー』）、エイリ・ハルボー（『サクセッション』『テルマ』）、剣術指導・島口哲朗（『キル・ビル』）らが参加する本作は、野心的でありながら地に足の着いた作品として、壮大なビジュアルの魅力と深い感情の物語で幅広い国際的な観客を獲得することを目指す。
動機
本作は、前作の短編『Agurk』を日本で撮影していたときに湧き上がった感情に着想を得ている。滞在中に父のがんが進行し、私たちに残された時間は突然消えた。自分の野心を追うことと、家から遠く離れていることへの罪悪感の板挟み――それがのちに『Homage』となる作品の感情的な核になった。
父が最終診断を受けたとき、私はほとんど一心不乱の目標を持った――彼が亡くなる前に長編第一作を完成させなければならない、と。そばにいる代わりに仕事に没頭し、作品に逃げ込み、映画そのものが贈り物となり、自分の愛情と献身の証明になると信じていた。幸い、友人たちの支えで、自分が失いかけているものに気づいた。私は父の最後の数か月に寄り添うことを選び――その選択が、この映画の倫理的・感情的な羅針盤になっている。
しかし、その思いは消えなかった。もし別の選択をしていたら？ 知らせを受けたとき制作の最中だったら？ 残り時間が「数年」から「数か月」に縮むとき、何に優先順位をつけ、そしてその後に何が残るのか。これらの問いが『Homage』の出発点になった。
2023年7月に父が亡くなり、私は書き始めた――悲しみを整理し、親を失うという複雑で普遍的な経験を表現するために。『Homage』で語る物語はきわめて個人的だが、そのテーマ――悲嘆、野心、人とのつながり――は広く共有できる。距離と仕事の圧力が日常にある現代社会で、自己の推進力と他者との近さのあいだの緊張を探る。それがこの作品を同時代的で現実に根差したものにしている。
作中のサムライ映画は、私が十代のころに始まった魅了から生まれている。父が黒澤を教えてくれた――『七人の侍』『乱』。その関心は、日本文化と映画の伝統へのより深い探究へと広がった。私は日本語を学び、東京に一年以上暮らし、すでに日本語で一本の映画（『Agurk』）も制作している。
『Homage』の叙事的なシーンは、父、喪失、名誉というアーキタイプの物語に拠っており、これはヴァイキング神話と日本のサムライ史の双方に見られるナラティブでもある。物語の中心に女性監督を据えることで、私自身と素材とのあいだに必要な距離を生みつつ、男性中心のジャンルで女性映画作家を前面に出す。このジェンダーと表象に関する視点により、『Homage』は映画業界におけるダイバーシティの議論に意味ある貢献をする。
『Homage』は、悲嘆、野心、そして大切な人を失おうとしている現実を本当に理解するまでにどれほど時間がかかり得るかについての映画である。個人的な体験に根ざしつつ、私的な範囲を超えて広がる。人間であること、そして本当に大切なものについて何かを語ることを目指している。
ビジョン
劇中映画
サムライ映画は、クラシックなテクニカラーの色調で、35mmフィルムにアナモフィックレンズ、シネマスコープで撮影する。日本映画の黄金期の末期に着想を得ている。力強い色調、雪、血、そして衣装デザインの黒と白という大胆なカラーパレットが、鮮明なコントラストを生む。撮影は、叙事的なワイドショット、刀を握る手の象徴的なクローズアップ、強い視線、クラッシュズーム、ディープフォーカスを強調し、独自のスタイルをつくる。
ヴァイキング映画も、サムライ場面を鏡映するために35mmアナモフィックで撮影する。幼少期に彼女を駆り立てた驚嘆と同じ感覚を捉えたいというロンヤの欲求を反映する。
『Homage』は、対照的な二つの映画的モードで語られる内面的葛藤の物語である。『Lost in Translation』『Aftersun』『Oslo Trilogy』から着想を得て、『Harakiri』『Lone Wolf and Cub』『Yojimbo』の視覚的・物語的手法を組み合わせ、主人公ロンヤのそばに常に寄り添い、彼女の体験を実感できる作品を目指す。
感情面と視覚面の両方に力を与えるため、エピックなジャンル映画の要素を取り入れる。物語に織り込まれたヴァイキングとサムライの物語は、単純でありながら壮大で、共通するモチーフは「父性の喪失」である。これにより、ロンヤの個人的なジレンマはより大きな文脈に置かれ、彼女の内的葛藤が理解しやすく、胸に響くものになる一方で、娯楽性と強い視覚的吸引力も生まれる。
美術はロンヤの感情状態を反映する。雪は――日本では人工、ノルウェーでは本物――二つの世界の視覚的な橋となり、彼女の感情的距離を強調する。
演技スタイルは写実的で抑制的にし、感情的な圧力は表現的な台詞や大げさな演技ではなく、映画言語によって担う。
音楽はプロデューサーのMagnus Bechmann Hansenと共作する。前作『Agurk』はグリムスタのノルウェー短編映画祭で受賞した。私はほぼ全ての自作で音楽を手がけており、シンガー／ソングライター／ミュージシャンとしても活動している。オリジナル音楽は二つのオーケストラ主題を中心に開発中である。ひとつは作中のヴァイキング／サムライ映画用（テーマは一致させつつ編成は区別）、もうひとつはロンヤと彼女の個人的旅路のための主題である。
殺陣も中心的要素である。アクションシークエンスは、振付師の島口哲朗（Kill Bill）とKristoffer Jørgensen（Dead Snow, Beforeigners）がノルウェーと日本の双方で緊密に共同開発する。主要な決闘は互いに呼応し、ロンヤの「夢を完遂する」執着を可視化する。物語の焦点を奪わない短さを保ちつつ、ジャンルの壮大さを捉え、観客に記憶に残るエンターテインメント性のある瞬間を提供する。
本作の映像言語は、明確に区別された二つのスタイルに分かれる。
ロンヤの視点
映像スタイルは、彼女自身の感情との距離のある関係を特徴とし、青・緑・アースカラーの抑えたパレットに、赤のアクセントを添える。カメラは主に固定、もしくはゆっくりと動き、ブロッキングを強調する、あるいはキャラクターに寄って内面を示す長回しを用いる。ロンヤは、広い空間か親密なクローズアップによって視覚的に孤立させる。
撮影はArriのデジタルカメラで16:9フォーマット。ヴィンテージレンズとフィルターを組み合わせ、柔らかいクラシックな“Cooke look”を得る。カメラの動きは基本的に最小限とし、熟考的なスローバーンのスタイルを作る。
あらすじ
30代前半の野心的な監督ロンヤは、日本で父の代表作であるヴァイキング映画『Jarl』へのトリビュートとなる壮大なサムライ叙事詩を撮影している。かつてはカリスマ的俳優だった父ゲイルは、今は故郷で重い病に伏している。手遅れになる前に映画を完成させようと、ロンヤは現実の衰えから距離を置く手段として制作に没頭する。
しかし、容体が劇的に悪化したという知らせが届くと、ひびが入り始める。ホテルへ戻る道中、ロンヤはパニック発作に襲われる。彼女は父に電話するが、父はまるで何も変わっていないかのように、彼女の映画の話を明るく続ける。ロンヤは本当の状況に向き合えず、話を合わせる。
翌日、クライマックスの合戦シーンの撮影に挑むが、サムライの振付は、幼い頃に現場で見たヴァイキングの戦いの記憶とぶつかる。目の前で決闘が展開するにつれ、彼女はあらゆる動きに父の死を重ねてしまう。二度目のパニック発作が襲う。先ほどより激しく、しかも今度はスタッフ全員の前で。
助監督のライナーは休むように彼女を帰すが、ホテルの部屋で一人になってもロンヤは前に進もうとする。行き詰まりに苛立ち、ホテルの喫煙所へ逃げると、主演のカワムラに出くわす。彼は彼女の変化に気づき、死の場面の性質についてそっと尋ね、ふたりは短い静けさを共有する。だが彼女は心を閉ざし、受け流してしまう。彼のさりげない問いが意味するものに、なお向き合えない。
現場に戻ると、ロンヤはサムライとその息子の最期のシーンをうまく演出できずにもがく。何もかもしっくりこない。苛立ちは絶望に変わり、チームを極限まで追い込んだ末に彼女は爆発し、カワムラとライナーに当たり散らす。屈辱を感じた彼女は、助言を求めて父に電話をかけに席を外す。応答がないと、抑え込んできた記憶――病の告知、残された短い時間――が押し寄せる。彼女は気づく――この映画は、父を称えるだけのものではなかった。自分自身の悲嘆と向き合うことなのだ、と。
ようやくゲイルから折り返しがあり、ロンヤは自分のすべきことを悟る。彼女は現場に戻り、死のシーンを演出する――制御ではなく、受け入れによって。避けてきた悲しみを感じるままにし、彼女は崩れ落ち、父を永遠に失おうとしている現実を自覚する。
シーンは撮り終えたが、映画の完成には程遠い。ロンヤはクルーに別れを告げ、帰路につく。映画がどうなろうとも、残された時間を父と過ごすために。
『Homage』は、私のキャリアにおける重要な一歩であり、初長編への道である。私はMotlysのYngve Sæther（Force Majeure, Oslo, August 31st, Love）とともに、2011年のウトヤでのテロ攻撃の生存者としての自身の経験に着想を得た長編『Dypet』の脚本開発段階にある。『Homage』では、同様の課題――悲嘆をめぐる個人的な物語、より長いナラティブ、より大きな予算、そして強い印象を与えうる作品――に取り組むことを目指す。
文化的に大きな意義をもつ『Dypet』の演出に向けて自らを準備する責任を感じており、自分の経験から『Homage』は自分が確実にやり遂げられる作品であり、きわめて重要なステップだと確信している。プロデューサー、投資家、映画祭、そしてこの実現に関わる人々に対して、自分の技量の水準を示すことが不可欠である。『Homage』は、映画作家としての私の声と、私が伝えたい意味のある内容――心からの、個人的で共有したい何か――を示す作品になる。
監督としての歩み
『Homage』のチームは、国際的なCM、長編、短編、アートフィルムの経験をもつ、意欲的で経験豊富な映画制作者で構成されている。私たちは、野心的なプロジェクトを高い芸術水準へ引き上げる強力なクリエイティブ中核を形成している。
Kristian Kvam Hansen（プロデューサー）は、オスロ、東京、上海、シドニーに拠点を置く制作会社PUSHを運営。Nike、Adidas、Maserati、Vogue、Gucciといったグローバルブランドの数百万規模プロジェクトをプロデュースし、Billie Eilish、Rosalía、Megan Thee Stallionらアーティストとも協業してきた。ナラティブ作品への展開を機に『Homage』に出会い、初期開発段階から関わっている。
Julian Jonas Schmitt（撮影監督）は、私の短編『You’re My Bruise』を撮影。Fila、Mercedes、MonclerなどのブランドのCMで豊富な経験を持ち、現在はスイスのALPS Museumでドキュメンタリー『Grönland』を展示中。
Jens Peder Hertzberg（編集）は、2011年からの親しい協力者。『Everywhen』（2013）から始まり、Netflix映画『Troll』（2022）や『Sulis 1907』（2023）などノルウェー最大級の作品を編集してきた。大作の経験と個人的な物語の融合力により、『Homage』に最適な編集者である。
Kristoffer Jørgensen（スタントコーディネーター）は、ヴァイキングとサムライ双方の戦闘背景を持つ、ノルウェーで最も経験豊富なスタントパフォーマーの一人。参加作は『Død snø』『Den 12. mann』『Twin』『Beforeigners』などで、本作のアクションと振付に不可欠な専門性を提供する。
Tetsuro Shimaguchi（殺陣指導・振付）は、『Kill Bill』で殺陣指導としてキャリアを開始し、Crazy 88の#1としても出演。スタントチームやキャストと緊密に連携し、刀のトレーニングを主導、ノルウェーと日本の双方でキャラクター主導の精密な剣劇を振り付ける。
Kristofer Hivju（Game of Thrones, Force Majeure, The Witcher）は父ゲイル役。企画初期から脚本開発に深く関わり、その美意識と長年の経験がキャラクターと作品形成に寄与している。
Eili Harboe（Thelma, Askeladden, Succession）は主演のロンヤ役。脚本にも貢献し、2024年から本プロジェクトに参加している。彼女の存在は作品に重みと真正性を与える。
チームについて
『Homage』は、壮大なエンターテインメントときわめて個人的なテーマを組み合わせ、多くの短編よりも大きな国際的スケールで展開する短編映画である。ノルウェーの雪に覆われた山々から日本の歴史的寺院まで撮影地が及び、ヴァイキングとサムライ双方の世界からのアクション満載のシークエンスによって、喪失、帰属、野心をめぐる繊細なドラマに叙事的な背景を与える。
ロンヤの物語を通して、愛する人の喪失のような人生最大の試練に向き合うとき、何が本当に大切かについて新たな理解に至りうることを探る。『Homage』は、罪悪感、悲嘆、野心と「見られたい」必要の衝突といった感情に向き合うための招待である。個人的でありながら普遍的でもある体験――深く響き、強い印象を残す物語である。